Le blog de Roseline Giusti

Jean-Marie RODRIGUES, plasticien

M A U X   d e   T E T E S

Les peintures récentes de Jean-Marie RODRIGUES explorent la figure humaine ou animale à ce moment précis où s’opère une mutation de l’une à l’autre.

Les faciès qu’il représente ne constituent pas, en effet, qu’un volume matériel de rose et gris ou de rouge et vert, vu de face ou de profil, chapeauté ou enturbanné, cornu ou à oreilles. Ce sont ceux d’êtres vivants qui gardent la mémoire du combat auquel ils se sont livrés. Farouches et inquiétantes, certaines têtes, même, jouent encore et encore, sur la scène de la toile, l’histoire et le drame dont elles sont habitées.

Le trait en mouvement offre une qualité de tension exacerbée. Sous les tracés noirs et vigoureux qui les oblitèrent, des joues se gonflent, des mâchoires s’entrechoquent, des nez s’écrasent ou percent. Parfois une dentition énorme effraie. Yeux et bouches se débattent sous la pression des ligatures fermes et incisives qui rayent les faces. L’intensité de l’action, la rapidité avec laquelle elles s’activent pour s’en défaire sont inscrites sur le volume propre de chaque figure et les distinguent. La plupart du temps, l’œil affleure sous la couche picturale, sauvant le sujet représenté de l’immobilisme et du néant. « Il me regarde », dit alors Jean-Marie Rodrigues.

Si l’œil « substance concrète » est « objet matériel », affirmait le critique Michel Zahar, le regard « d’essence spirituelle » est « principe fluide de la vie intérieure ». Et c’est bien cette « secrète énergie », comme  le disait encore Zahar, que notre peintre tente de mettre au jour dans chacun de ses « portraits ». A ce moment, l’artiste sait que la bataille est gagnée, que le souffle du vivant a réussi à s’extraire de ce magma de liens imbriqués, tracés d’un geste impérieux.

S’exposer aux jets noirs que le peintre décoche à ses figures est le prix à payer pour connaître la délivrance. Car l’être qui surgit alors est restitué dans son principe de vie, désaliéné. Peu importe qu’il soit animal ou humain. Peu importe que surgissent ici une tête à ergots ou à cornes et là un visage d’homme. La frontière est étroite entre les deux états; l’artiste revendique ce lien ténu, cette ambiguïté, reconnaît même une connivence.

Plus rarement, des bouches à leur tour essaient de poindre. C’est d’ordinaire l’apanage des figures féminines. Alors des linéaments moins agressifs délimitent des plages colorées, traitées avec régularité à la brosse, donnant naissance à des portraits plus félins, gracieux.

S’intéressant seulement à la partie haute des corps, -l’animal est toujours représenté dressé-, l’artiste la grandit généreusement. Coiffes, chapeaux, turbans, ou crinières et protubérances, exaltés, donnent à ces têtes un port altier qui intensifie leur  présence, touchant parfois à la coquetterie. On comprend mieux, lorsqu’on sait qu’il arrive à l’artiste de confectionner des costumes de théâtre.

Sur le plan plastique, l’acrylique fluide et vite sec fournit à l’artiste le medium idéal pour œuvrer dans l’urgence. Les outils sont peu conventionnels, parfois de récupération. Pinceaux épais, brosses ou même balais, pour les grands formats, fondent sur les figures à grands jets noirs. De densité inégale, le jus-venin, craché sur la toile, est produit d’un geste continu, sans reprise aucune, alla prima. Posés avec violence, ces bandeaux sombres sont la marque de la capacité de l’artiste à traduire avec justesse les forces vives qui l’assaillent. A vrai dire, Jean-Marie Rodrigues  a coutume de peindre en musique, ou plus exactement se soumet volontairement à son emprise. Il recherche des compositions actuelles, répétitives, parfois lancinantes qui l’installent dans une sorte de transe jubilatoire.

Les dernières peintures de Jean-Marie Rodrigues sont, à leur manière, mais dans un registre laïc, une sorte de « lutte avec l’ange », épisode biblique tant représenté dans l’histoire de l’art. Ici les forces contraires qui sont à l’œuvre et dont chaque figure tente d’exprimer à la fois le combat et l’issue de cette bataille, relèvent tout autant du monde intérieur de l’artiste que du propos philosophique qui le sous-tend.

Humanité, animalité, quelles limites ?

Roseline Giusti-Wiedemann

Bordeaux, novembre 2009.

ROBES D’ALGUES    LES MUES

Plasticienne AR construit depuis plus de vingt ans des enveloppes corporelles de tissu, de papier, de verre.

Hiver 2002. La voici à Hendaye, au domaine d’Abbadia (1). L’endroit en cette saison  est plutôt austère et solitaire, et les heures, fortement scandées par les marées et le bruit du ressac sur la falaise. L’artiste entend travailler au plus près du lieu. Mono-matériau trouvé sur le site, rituel du ramassage, tributaire du bon vouloir de la mer : l’algue s’échoue sur la grève selon un rythme inexpliqué ; retraite et lente gestation de l’œuvre.

De ce grand herbier des mers qu’elle constitue, vont s’architecturer d’étranges vêtures corporelles.

Cette fois encore la bouche géante de l’eau a dégorgé des algues sur la plage. Jour faste de livraison maraîchère. Suspendue au respir de l’océan, Aline cueille la manne précieuse. Ce sont des algues rouges, essentiellement. Monochromes bruns rougeâtres. Emerveillement devant ces couleurs, elle qui répugne à peindre. Séché à plat, le végétal se froisse et craque comme du vieux papier, résistant et fragile à la fois. Affection pour cette peau flétrie brillante à la lumière et sanguinolente comme des écorchés. Quelques mois auparavant, elle a déjà ramassé des laitues de mer dans d’anciens marées-salants de Charentes, avec la même émotion, intense.

Elle étale, presse, remembre, triture, cuit même. L’odeur parfois est insoutenable. Contact charnel avec le matériau, vierge de tout traitement humain. Matière mémorielle qu’elle pétrit comme le limon premier de la Genèse.

Avec les peaux obtenues elle construit des étuis. Erigés ou gisants au sol, dans de fragiles cercueils de papier. Gangue pour le corps, le sien.

Robes ducales, hors normes, éphémères et splendides. Poches matricielles. Enveloppes meublantes. Forteresses, coffre-corps (2), où un interstice est ménagé. Tous sont échancrés, béants. La béance est une porte qui assure le passage. Car l’artiste s’introduit dans ces peaux d’algues. Pour les finir. L’œuvre est aboutie, si habitée.

Le passage dans ces demeures, -territoires hautement privés-, est la condition de son accès au monde.

Robes sacrificielles pour liturgie. Aline se retranche dans ces écrins pour y accomplir quelques rituels intimes…et nécessaires Car l’écrin la sculpte en retour, l’incorpore. Immersion tactile par laquelle commence une lente remontée aux origines.

Robes comme d’immenses crânes, non plus montrées du doigt par Saint Jérôme comme chez Dürer, mais dans lesquelles Aline s’enveloppe ; et, recluse dans l’atelier connecte une mémoire qu’elle ne livrera pas.

Robes…Vanités

Roseline Giusti

(1) la ferme Nekatoenea du domaine d’Abbadia à Hendaye accueille régulièrement des artistes en résidence.

(2) l’expression est d’Alain Fleischer, in La femme qui avait deux bouches et autres récits, Paris, Seuil, 1999.

Jean LE GLOANNEC, peintre-arpenteur.

Tout l’œuvre de Jean Le Gloannec est sous-tendu par un ensemble de contraintes arithmétiques que l’artiste se donne au départ et qui sont autant de directions pour l’organisation plastique du travail. Aussi les dessins préparatoires ont-ils une grande importance, puisqu’ils fixent avec rigueur cotes, dimensions, mesures, issues de la prise en compte d’un espace environnemental ou architectural ou encore dictées par la morphologie d’un corps humain. Volume, longueur, degré d’ouverture d’un angle…, ainsi déterminés, donnent la scansion de l’œuvre et son mode de lecture.

La toile garde aussi la trace de la déambulation originelle, où l’artiste-arpenteur accomplit son travail de prélèvement, pour ne pas dire de prédation. Le Gloannec attache de l’importance à la marche, aux pieds, au sol que l’on foule, au mouvement de son propre corps qui s’ouvre à la ville en même temps qu’il en collecte des éléments. Il utilise l’image du compas qui s’écarte pour appréhender le territoire qu’il va mesurer. De sa chasse, il rapporte des images, des couleurs, des bruits…qu’il classe, épure, trie, sélectionne. Sur la toile toutefois, point d’accumulations, d’enchevêtrements, de cauchemars, d’accélérations ou même de rêves, le calme seul. Le territoire parcouru est nettoyé de tout ce qui l’a entaché ; désencombré, il est révélé, lisible.

A cela s’ajoute un lien alchimique avec la matière, les matériaux choisis, presque toujours les mêmes : l’or, l’argent, le cuivre, le nickel parfois. Ces substances premières, extraites des entrailles de la terre, sont pour Le Gloannec le symbole de la connaissance directe, sans la médiation de l’intellect.

Roseline Giusti, Pessac, 1994 

YEULMAUS, l’arpenteur du trait.

Mayeul IRLINGER

Né en 1980 en Haute Provence, vit dans les Pyrénées atlantiques.

Pratique le dessin et la musique depuis l’enfance.

Les personnages qui prennent vie sous le trait dansant de Yeulmaus, racontent des histoires énigmatiques dont le code est à chercher dans sa propre existence.

Ses figures en mouvement, tracées par un cerne unique à l’encre de chine, sont en majorité autant d’autoportraits saisis à différentes périodes de sa jeunesse.  Réminiscence du temps de l’enfance en Provence, où il faisait surgir sur le papier un univers mythique qui peuplait son imaginaire. Evocation de l’Inde du sud (Pondichéry) où il a vécu cinq années, au contact de philosophies et d’iconographies nouvelles, sensible aux expressions spirituelles fortes de ce pays comme à l’art populaire du Tamil Nadu ou à l’art tribal d’autres provinces. Une imprégnation dont il ne se départira jamais.

Aujourd’hui, c’est en urbain qu’il arpente le trait, prenant aux villes leur vitalité et leur énergie continues, dans la lignée des graffeurs et du street art.

Néanmoins, la méthode graphique demeure exigeante : produire, après concentration, le trait unique le plus parfait possible, selon les Propos sur la peinture du moine chinois du XVIIème siècle,  Shitao, dit aussi « citrouille amère ». Ainsi, « le pinceau ira jusqu’à la racine des choses ».

Entre BD underground, américaine et japonaise, peinture nippone traditionnelle de l’Ukio-e, (Hokusaï, Hiroshige) et calligraphie chinoise, l’œuvre de Yeulmaus reste traversée d’influences diverses, issues de cultures croisées.

Diffusant ses dessins sur le réseau informatique, il cherche à se confronter à un public aussi large qu’inconnu. Toutefois, un certain nombre d’internautes, juges et critiques attentifs, l’ont déjà conforté dans son talent.

Roseline Giusti – Wiedemann.

Université de Bordeaux3.

Sophie PUJO

Tantôt le trait au crayon transparaît sous d’immenses glacis blancs, très travaillés, tantôt, simple coulée de peinture, la ligne gicle directement du tube, contenue, sensible, mais affirmée, imposant un ordre au vide dense des surfaces monochromes.

Ailleurs le trait devient incision. Il creuse le bois d’un sillon généreux qu’un fin travail de ponçage rend lumineux.

Ces trajectoires simples et fortes, ici contours ou limites, là formes pures, lieux ou traversées, inscrivent sur le format carré de leur support une tension, celle de la mémoire de l’espace et du temps.

Sophie Pujo revendique le dessin comme point de départ de son travail. Mais au-delà des combinaisons de signes, d’éléments, de fragments figurés par des lignes, au-delà du principe d’ordonnance, perce la vitalité sensuelle qui fait vibrer la matière et donne au trait rythme et volupté.

Roseline Giusti.